10 cosas que no sabías de la portada de ‘Sgt. Pepper’ de los Beatles

por COLIN FLEMING | 07 Jun de 2017


Posteado el 07 Jun de 2017 - 9:39 AM



Una cosa es que un disco aparezca y entre en la cultura de manera tan profunda que nada se sienta igual después de su llegada, pero ¿qué tal si el mismo disco tiene el arte de portada más icónico de todos los tiempos?

Es el caso de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles y su maravilloso espiral de imágenes, que van desde la unión más famosa de personalidades en la portada, cortesía de los artistas pop Peter Blake y Jann Haworth, hasta el arte del libro interior hecho por el colectivo de diseño holandés The Fool, pasando por las fotografías de Michael Cooper, y la bolsa de tesoros para recortar que acompañó al disco. El marchand Robert Fraser supervisó el proceso en su rol de director artístico, y la fotografía de portada más legendaria de la historia del rock se produjo hace 50 años, el 30 de marzo. La portada fue magníficamente costosa de producir, pero solidificó el prestigio mítico de los Beatles para siempre.

Aquí van 10 cosas que tal vez no sabías acerca de la estética icónica de Sgt. Pepper.

1. Paul McCartney lideró el concepto de la tapa

Esta era una época en la que McCartney se afianzaba cada vez más a la hora de tomar decisiones de la carrera de los Beatles, una tendencia que continuaría por el resto de tiempo que estuvieron juntos. Produjo dibujos en tinta del concepto de la tapa y los compartió con Blake y su esposa, Haworth. “Hice muchos dibujos de nosotros siendo presentados antes el Alcalde”, explicó Paul en Many Years From Now, de Barry Miles, “con muchos dignatarios y muchos amigos nuestros alrededor, e íbamos a ser nosotros frente a un gran reloj floral y a aparecer como una brass band. Eso evolucionó y se transformó en la tapa de Peter Blake.”

2. Pero quizás se haya inspirado en un desconocido grupo sueco

Un EP parodia/homenaje a los Beatles apareció tres años antes de Sgt. Pepper, de la brass band sueca Merblecket, contaba con un arte de tapa que era sorprendentemente similar a la tapa final de Pepper. McCartney no declaró oficialmente acerca de la imagen anterior, pero los Mercblecket conocieron a los Beatles luego de su llegada a Estocolmo en 1964, y según Jorge Johansson, un productor discográfico sueco, Roger Wallis, miembro de la banda dice haberle dado a McCartney una copia del EP durante el viaje.

3. La tapa casi era una pintura abstracta

John Dunbar, un amigo de McCartney, se entusiasmó con la idea de que una pintura abstracta, sin ningún texto, funcionaría mejor en aquellos años vertiginosos: “¡La gente va a saber lo que es, man, la gente va a saber lo que es!”, señaló. Los Beatles también iban a situarse en una sala eduardiana en medio de viejos trofeos y fotografías. El atractivo de Blake era que su arte era pionero en un sentido moderno, pero con elementos del pasado, y los Beatles querían que “Sgt. Pepper” atrajera tanto a adolescentes como a adultos mayores. También era fan de Gene Vincent y Elvis, un “gran común denominador” para McCartney.

4. John Lennon era el Beatle más problemático en cuanto a quién quería que estuviera en la tapa

Cada Beatle recibió la tarea de pensar una lista de hombre y mujeres de la historia que ellos querían que se sumarán al gran festín imaginativo de la tapa del disco. En total hay 57 fotos en el collage. Lennon queriendo ser “audaz y llamativo”, en palabras de McCartney, votó por que aparecieran Hitler, Jesucristo y Gandhi. Sir Joseph Lockwood, jefe de EMI, vetó la inclusión de Gandhi, preocupado de que el disco no se vendiera en India. Pero Aleister Crowley, el ocultista y santanista, logró quedar en la lista.

5. Hubo diversas reacciones por parte de las celebridades que los Beatles querían incluir

La actriz Mae West, después de enterarse del pedido de los Beatles, dijo: “¿Qué haría yo en una banda de corazones solitarios?”. Shirley Temple quería escuchar el disco antes de comprometerse. Blake consideraba que el collage era un “diseño teatral”, y su idea era que la banda de ficción acababa de ofrecer un concierto en el parque, y ahora estaban tomándose una foto con su público. Leo Gorcey, protagonista en las películas de Bowery Boys, quería 400 dólares por su imagen, y así quedó fuera de la lista.

6. Sgt. Pepper fue el primer disco con letras impresas en el packaging -lo cual ayudó a inspirar los rumores de que “paul estaba muerto”

Las letras aparecieron en la contratapa, lo cual colaboró con la propagación del rumor de que “Paul estaba muerto”, que empezó a circular al poco tiempo. En el reverso del disco, McCartney le da la espalda a la cámara, y junto a su cabeza se lee “without you” [sin vos], de “Within You Without You”, de George Harrison. Se decía que había “pistas” desperdigadas por todo el arte del disco: con el arreglo floral en la tapa, por ejemplo, y la placa de O.P.D. que lleva McCartney, del cual John Neary, en un artículo de Life, dijo que era el equivalente británico de “muerto al llegar”. En el mismo artículo, McCartney dijo: “Es todo tan estúpido. Agarré esa placa de O.P.D. en Canadá. Era una placa policial.” De hecho, las iniciales refieren a la Ontario Provincial Police, y la segunda P se confundió con una D.

7. la mitad de los Beatles aparecieron drogados en la sesión fotográfica del 30 de marzo

La banda esa noche iba a grabar, y llegó al estudio fotográfico londinense de Michael Cooper por la tarde. El collage de Blake y Haworth ya se había ensamblado durante la semana anterior. “Si mirás la tapa de cerca, vas a ver a dos personas volando, y dos que no”, dijo John Lennon, y Ringo Starr agregó: “¡Mirá la tapa y sacá tu propia conclusión! ¡Hay muchas fotos con ojos rojos!”. Para aumentar el carácter volado estaba el diseño plegable de The Fool, el colectivo holandés que Fraser no quería que participara, diciéndole a McCartney que su contribución era una pintura mala. The Fool sí hizo la funda del disco, que reemplazó al habitual sobre blanco de papel que venía con casi cualquier otro disco de la época.

8. Ninguna tapa de disco había costado tanto

“Originalmente, queríamos un sobre con regalos, pero se volvió demasiado difícil de producir”, recordó McCartney. “De todos modos, fue bastante difícil, y la compañía discográfica se la tuvo que bancar, porque estaba costando más de las habituales tapas de cartón.” La producción de mayoría de las tapas de discos era de 50 libras; esta obra de los Beatles/Blake/Haworth superó las 3.000. Mucho tuvo que ver con pagarle a la gente para usar su imagen, que hasta entonces había rara vez sido un factor para la tapa de un disco de rock.

9. el disco venía con sus propias figuras recortables

“Había pequeños folletos, pequeños papeles”, dijo McCartney. Estos incluían bigotes de papel, una postal de una estatua de la casa de Lennon, y bandas de sargento de papel. La idea era que el disco debía ser una experiencia interactiva entre la banda y los oyentes. La elección de cortes de pelo y vellos faciales estilo hippie supuestamente debía mezclarse con sus trajes militares anticuados, para relacionar el pasado, el presente y el futuro. “Queríamos que todo Pepper fuera algo cuya tapa pudieras mirar durante años”, dijo McCartney.

10. originalmente, Elvis iba a aparecer en la tapa

En una tapa con Bob Dylan y una referencia a los Rolling Stones, la ausencia de Elvis Aaron Presley, el héroe colectivo de los Beatles, es bastante llamativa. Según McCartney: “Elvis era demasiado importante, y estaba demasiado por encima del resto como para incluso mencionarlo”. Así, entonces, afuera Elvis, y adentro Bobby Breen, un famoso cantante infantil canadiense de los años 30. Breen encontró sorprendente su inclusión. No sabemos lo que pensó Elvis acerca de su omisión.

La encarnación anterior de los Beatles, de alrededor de 1964, está representada por cuatro figuras de cera cortesía de Madame Tussaud, quien les prestó las piezas a la banda. Más tarde, desaparecerían en el almacén de Tussaud, y permanecieron ocultas durante 20 años antes de ser subastadas por Cooper Owen por 81.500 libras en 2005. “Uno pensaría que nadie querría pagar tanto dinero por unos pedazos de cera”, bromeó Louise Cooper, de Cooper Owen.


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Chris Cornell: 15 canciones esenciales

Chris Cornell: 15 canciones esenciales

por CHRISTOPHER R. WEINGARTEN, JON FREEMAN,HANK SHTEAMER, BRITTANY SPANOS, MAURA JOHNSTON, JASON DIAMOND | 19 May de 2017


Posteado el 19 May de 2017 - 1:17 PM



Chris Cornell fue una de las voces insignia del rock de los 90 junto a contemporáneos como Kurt Cobain, Eddie Vedder y Layne Staley –y su voz era la más enérgica y virtuosa de todas. El líder de Soundgarden y Audioslave, quien murió el pasado miércoles a los 52 años, siempre será recordado por sus gemidos salvajemente agudos, quizá el vínculo más claro con aquellos increíbles antecesores de los 70 como Robert Plant de Led Zeppelin. También era un compositor extremadamente versátil que lograba transiciones fluidas entre metal amenazante y folk reflexivo, con desvíos a electro-pop estilizado y a bandas sonoras épicas. A continuación presentamos 15 canciones que nos darán una pista de su maestría.

Soundgarden, Flower (1989)



En el primer tema del LP debut de Soundgarden de 1990 Ultramega OK, la endemoniada interpretación –gutural y audaz, con vocales extendidas como si fueran hechas de plastilina– es un complemento a su fulminante letra, que cuenta la historia de una joven cuyo desbocado estilo de vida la lleva a morir joven. Es un acertado comienzo para Ultramega OK, un álbum donde la banda deja a la vista sus exploraciones de las esquinas más sórdidas del mundo con humor cortante y rock pesado.

Temple of the Dog, Hunger Strike (1991)



Las canciones de Temple of the Dog Hunger Strike y Wooden Jesus fueron escritas por Cornell para Soundgarden mucho antes de la muerte de Andrew Wood, pero según el cantante, no sonaban muy bien para ser incluidas en un álbum de Soundgarden. “Hunger Strike llegó debido a una crisis existencial que Soundgarden enfrentaba en ese momento”, le dijo el artista a ROLLING STONE el año pasado antes de la gira de reunión del grupo. “Es una declaración de que permanezco firme con lo que hago, sin importar el resultado, y nunca cambiaré lo que estoy haciendo por propósitos de éxito o dinero”. La canción es un dúo entre Cornell y Eddie Vedder, un nuevo cantante en la escena, que había viajado a Seattle para hacer una audición para Mookie Baylock, la banda que luego sería conocida como Pearl Jam. Luego de que esta última también alcanzara éxito, la canción fue promovida nuevamente y se convirtió en un gran éxito en 1992.

Temple of the Dog, Say Hello 2 Heaven (1991)


Andrew Wood, el extravagante y embrujador vocalista de Mother Love Bone, era amigo personal de Cornell –los dos fueron compañeros de cuarto por un año, y el proyecto inicial de Wood, Malfunkshun, había aparecido junto a Soundgarden en Deep Six, el compilado de los primeros días de la escena de Seattle. Luego de la muerte de Wood en 1990 a causa de una sobredosis de heroína, Cornell canalizó su pena en dos canciones, el emotivo himno Reach Down y la elegiaca Say Hello 2 Heaven. “La composición”, le dijo Cornell a David Fricke el año pasado, “llegó tan rápido que apenas me acuerdo del proceso. Las dos canciones no parecían tener sentido para Soundgarden. Recuerdo haber pensado, ‘¿Está bien esto?’”. Cornell le dio los demos a Jeff Ament, el bajista de Mother Love Bone, a quien le encantaron las canciones de inmediato, y quien junto al guitarrista de la misma banda, Stone Gossard, trabajó con Cornell para pulirlas. En su versión final, Say Hello 2 Heaven es triste y densa, y la voz de Cornell crece lentamente en intensidad mientras las guitarras lloran suavemente a su alrededor.

La canción abre Temple of the Dog, de 1991, un documento de un supergrupo a la espera, que ayudó a convertir a Seattle en el epicentro de lo que sería conocido más adelante como “rock moderno”. “No se sentía como un proyecto taciturno. Se sentía como una clase de celebración”, le dijo Cornell a Reflex en 1991.

Soundgarden, Outshined (1991)


Luego de que Soundgarden apareciera por primera vez en los listados con el LP de 1989 Louder Than Love, Cornell se comenzó a volver introspectivo. ¿Cuál sería el paso siguiente para él y la banda? Esa mirada hacia su interior lo ayudó a comenzar a componer canciones de manera diferente para el tercer álbum de la banda. “Nunca he sido biográfico en mis letras”, dijo Cornell en un show que le abriría a Guns N’ Roses en el Madison Square Garden en 1992, “por eso, cuando escribí una frase como “‘I’m looking California and feeling Minnesota’ en Outshined, se sintió refrescante”. El segundo sencillo de Badmotorfinger no solo se convertiría en una favorita de los fans, también inspiraría el título de Feeling Minnesota, el drama de 1996 de Keanu Reeves.

Soundgarden, Rusty Cage (1992)



“Tengo un recuerdo vívido de estar mirando por la ventana hacia el campo y haberme sentido reprimido”, le dijo Chris Cornell a Spin acerca de estar conduciendo en algún lugar de Europa y haber escrito la letra de la canción que terminaría abriendo Badmotorfinger de 1991. Cuando la banda regresó a Seattle, Cornell, quien afirmó estar oyendo bastante a Tom Waits por aquella época, “quería crear un mezcla entre hillbilly y Black Sabbath que nunca hubiera oído antes”. La canción, a la que Johnny Cash le haría un cover en Unchained de 1996, fue “grabada con un wah-wah en la posición baja utilizada como filtro”, le dijo Kim Thayil a Guitar School en 1994. “Fue idea de Chris; él quería lograr ese tono extraño que uno realmente no puede obtener en un amplificador”.

Chris Cornell, Seasons (1992)



La conmovedora y subestimada contribución como solista a la banda sonora de Singles se generó de una pieza de ficción: un casete hecho por el personaje de Matt Dillon, Cliff Poncier, luego de estar de fiesta con su banda Citizen Dick. Cornell se dedicó a escribir canciones para el casete, una de las cuales fue esta balada folk reflexiva. “Mierda, este es Chris Cornell, como Cliff Poncier, grabando todas estas canciones, con letras, y una visión creativa total, y ha grabado todo el casete falso”, recuerda el director Cameron Crowe refiriéndose a la primera vez que oyó el EP que llegaría a ser conocido simplemente como Poncier. “Es fantástico. Y Seasons está allí. Simplemente no puedes evitar quedar sorprendido. Este es un tipo que solo conocemos por Soundgarden. Y por supuesto que es increíblemente creativo, pero, ¿quién lo había oído así?

Soundgarden, Spoonman (1994)



El primer sencillo de Soundgarden en llegar a Billboard fue una elección favorable para una incursión en el mainstream: una percusión complicada a 7/4 y la letra oscura y solitaria de Cornell, inspirada, de algún modo, en un excéntrico artista de Seattle, conocido como Artis the Spoonman, quien grabó un solo de golpes metálicos con cucharas. “Se trata más acerca de la paradoja de quién es él y de cómo lo percibe la gente”, le dijo Cornell a Request en 1994. “Él es un músico callejero, pero cuando está tocando en la calle, se le da un valor y es juzgado de manera completamente equivocada por los demás. Piensan que es alguien de la calle, o que está haciendo esto porque no es capaz de tener un trabajo normal. Lo sitúan algunos escalones más abajo en la escalera social porque así es como perciben a alguien que se viste diferente. La letra expresa el sentimiento con el que me identifico con alguien como Artis”.

Soundgarden, The Day I Tried to Live (1994)



De una banda que sufrió mucho para negar la influencia de Led Zeppelin en su música, esta es la interpretación vocal más operática, palpitante, y a todo pulmón de Chris Cornell que aparece en un sencillo de Soundgarden. “Se trata de salir de los patrones y dejar de ser introvertido y solitario, algo con lo que he siempre he tenido problemas”, le dijo Cornell a ROLLING STONE en 1994. “Se trata de intentar ser normal y de salir y estar con otra gente y pasar un rato. Tengo una tendencia a ser muy introvertido y a no ver gente por periodos prolongados o a no llamar a nadie”.

“De hecho, de cierto modo, es una canción de esperanza. … Mucha gente malinterpreta la canción como una nota suicida. Se toman la palabra “vivir” muy literalmente. The Day I Tried to Live se trata más acerca del día que traté de abrirme y experimentar todo lo que sucede a mi alrededor en vez de ignorarlo todo y esconderme en una cueva”.

Soundgarden, Black Hole Sun (1994)



“Escribí la canción pensando que a la banda no le gustaría”, le dijo Cornell a ROLLING STONE acerca de la canción más icónica de Soundgarden, “luego se convirtió en el éxito más grande del verano”. Cornell escribió la canción más importante de Soundgarden en más o menos 15 minutos, según le dijo a la revista Rip al hablar de su letra al estilo Magical Mystery Tour: “Es una especie de paisaje irreal, una de esas canciones en donde se juega con el título”, y, luego le clarificó a Entertainment Weekly, “Había oído mal a un presentador de noticias, y pensé que había dicho ‘black hole sun’, pero había dicho otra cosa… Después pensé, ‘Bien, no dijo eso, pero yo lo oí’, y se creó una imagen en mi cabeza y pensé que sería un gran título para una canción. Era una frase provocadora que hacía pensar, y se convirtió en esa canción.

Black Hole Sun no era segura como la leche, pero tampoco era un vidrio en el ojo de alguien. Era la cucharada de azúcar que ayuda a bajar el remedio”, le dijo el guitarrista Kim Thayil a Billboard en 1996. “Ahora es la Dream On the nuestro set”.

Soundgarden, Fell On Black Days (1994)



Aunque no es tan inmediato como los otros sencillos de Superunknown, Fell on Black Days tiene un golpe emocional. En este track blusero de combustión lenta, Cornell confronta su historia con la depresión. “Es un sentimiento que todos tienen”, le dijo a Melody Maker en 1994. “Estás feliz en tu vida, todo está marchando bien, las cosas son emocionantes –cuando, de repente, te das cuenta de que eres infeliz al extremo, hasta el punto de estar realmente asustado. No hay un evento en particular al que le puedas atribuir el bajonazo, ¡simplemente un día te diste cuenta de que todo en tu vida está jodido!”.

Soundgarden, Pretty Noose (1996)



Pretty Noose, el sencillo principal del álbum de 1996 de Soundgarden Down on the Upside, se anuncia con una niebla amenazante de psicodelia disonante. Los riffs exóticos con wah-wah del guitarrista Kim Thayil en la parte superior fijan el escenario para la letra dolorosa e impresionista de Cornell. Está describiendo una situación que está en desacuerdo con las necesidades de uno: “Pretty noose is pretty hate”. En una entrevista de 1996 con MTV, Cornell explicó que escribió la canción acerca de una “mala idea empacada atractivamente… algo que parece grandioso en un comienzo, pero que después regresa para morderte”.

Audioslave, Cochise (2002)



El supergrupo Audioslave anunció su llegada con este furioso tema, el matrimonio perfecto entre la fuerza rítmica del metal alternativo de Rage Against the Machine, y los ladridos penetrantes de Chris Cornell. Tom Morello, quien estaba leyendo acerca del “intrépido y decidido” jefe Nativo Americano en esa época, le dio el título. En el furioso estribillo de la canción, “Go on and save yourself, and take it out on me” –Cornell dijo que era una situación de “estar gritándome a mí mismo, mirándome al espejo.

Audioslave, Like a Stone (2003)



Like a Stone, el segundo sencillo de Audioslave, resultó ser la canción más alta en listas de la carrera de Cornell. El cantante despliega su famoso registro vocal con una increíble pasión y agallas.

Chris Cornell, You Know My Name (2006)



Por medio del tema de Casino Royale de 2006, Chris Cornell marcó el inicio de la era Daniel Craig – y se convirtió en el primer hombre en cantar un tema de James Bond en casi 20 años. (El último había sido Morton Harket). Cornell era fan tanto de Bond como de Craig, pero también le encantaban los temas de Bond de antaño. Soy fan de Paul McCartney, y recuerdo que él cantó y escribió el tema de Bond Live and Let Die, le dijo Cornell a Songwriter Universe. Por eso fue muy emocionante poder hacer un tema de Bond… grabamos en el estudio de George Martin en Inglaterra; fue el lugar perfecto y fue una experiencia maravillosa hacer una canción de James Bond”.

Chris Cornell, Nothing Compares 2 U (2016)



La última canción de Cornell en ingresar a los listados antes de su muerte sirve no solo como un hermoso tributo a Prince, sino como un cálido e inesperado epitafio al propio cantante.

La virtuosa voz de Cornell entona la melodía en una grabación íntima y carrasposa. “La música de Prince es la banda sonora del hermoso universo lleno de alma creado por él, y todos hemos tenido el privilegio de hacer parte de ese mundo”, escribió Cornell luego del lanzamiento de la canción. Nothing Compares 2 U… tiene una relevancia atemporal para mí y prácticamente todos los que conozco. Tristemente, en este momento su propia letra en esta canción no podría ser más relevante, y la canto con reverencia mientras le rindo un tributo a este inigualable artista que le ha dado a nuestras vidas tanta inspiración y ha hecho al mundo mucho más interesante.


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Mira a Ed Sheeran y Saoirse Ronan recorrer Irlanda...

Mira a Ed Sheeran y Saoirse Ronan recorrer Irlanda en el salvaje video de Galway Girl

por JON BLISTEIN | 10 May de 2017


Posteado el 10 May de 2017 - 9:49 AM



Ed Sheeran recorre los bares y las calles con la actriz Saoirse Ronan en el nuevo video de Galway Girl. Sheeran grabó él mismo el video en primera persona en Galway, Irlanda.

El clip abre con el cantante dejando un para ir directamente a un bar, donde se toma una cerveza y se encuentra con Ronan. Después le clava accidentalmente un dardo en la espalda a un extraño y se va con la actriz a recorrer las calles de la ciudad, encontrándose con un grupo de fans que le piden firmar un yeso y una copia de su reciente portada en ROLLING STONE. También, Ronan le escribe un nuevo tatuaje a Sheeran, que se convierte en el famoso “Galway Grill”.

Cuando la tinta se seca, van por una última cerveza, aunque en el bar el cantante le riega su trago al mismo tipo al que le clavó el dardo. Sheeran recibe un puño en la cara y se desmaya, despertando al día siguiente con la actriz en una casa mirando al océano.

Galway Girl aparece en el nuevo álbum de Sheeran ÷ (Divide), que fue lanzado en marzo. El cantante empezará su gira para promocionar el disco en 29 de junio en la Ciudad de Kansas, Missouri.

Mira más de Ed Sheeran en Ed Sheeran presentó en exclusiva una versión a la luz de las velas de Hearts Don’t Break Around Here


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La luz perpetua

La luz perpetua

por ROLLING STONE | 04 May de 2016


Posteado el 04 May de 2016 - 12:14 PM



‘A la música pop le falta peligro”, dijo Prince en 2006. “No hay misterio o emoción”. Desde el comienzo esas fueron las cartas con las que Prince Rogers Nelson jugó para ganar. A los 19 años lanzó su álbum debut, For You. A partir de ese momento fue un intérprete sexy, escandaloso y valiente, además de un músico muy virtuoso y un genio innovador en el estudio.

Prince produjo algunos de los éxitos más desafiantes y progresistas que llegaron a la cima de las listas en medio mundo. Desde su explosión comercial en 1984, con Purple Rain, hasta su reciente tour Piano and a Microphone, Prince nunca dejó de moverse para sorprendernos.

Su inquietud permanente lo hizo legendario, y su obra habla sobre la profunda sinceridad y sensibilidad de uno de los más enigmáticos maestros del pop. No tuvo problemas para generar titulares con sus maniobras confusas y extravagantes, que solo contribuyeron a hacer más grande su personaje místico y volátil. Sin embargo, lo que realmente conmovió al mundo fue su música; canciones que nos sacudían con emotividad, sensualidad, inteligencia o puro ritmo. Estas son solo cinco de sus perlas más preciadas:

When Doves Cry

Purple Rain y su banda sonora ya estaban listas, pero Prince no podía parar. A último minuto añadió una canción nueva: When Doves Cry. Incluso para los estándares de Prince resultaba excéntrica. Después de grabar por sí solo todos los instrumentos, decidió quitar el bajo de la mezcla final. Sabía que nadie había hecho algo tan arriesgado y demostró lo experimental que podía llegar a ser la música pop. Llego al Número Uno en EE. UU. y mantuvo a Springsteen en el segundo puesto con Dancing in the Dark.

Purple Rain

Bobby Z, de The Revolution, recuerda que la primera vez que escuchó a Prince tocarla en el piano parecía una canción country. “Era casi rock, casi góspel”. En gran parte fue inspirada durante el tour del álbum 1999; Bob Seger estaba de gira por esos días, y Prince decidió aventurarse con una canción que estuviera en la misma onda de esos himnos de estadio

Nothing Compares 2 U

En 1990, cinco años después de que Prince la lanzara sin mucho éxito con The Family, Sinead O’Connor se convirtió en una estrella haciendo una dolorosa y emotiva versión de Nothing Compares 2 U. La irlandesa hizo que pasara de ser una canción de desamor a convertirse en una exploración en torno al duelo tras la muerte de su madre. Ese mismo año O’Connor y Prince estuvieron en la portada de Rolling Stone con cuatro meses de diferencia. “¡Es grandiosa, me encanta!”, dijo Prince. “Busco un significado cósmico para todo. Creo que llevamos la canción tan lejos como pudimos, y luego alguien apareció para levantarla aún más”.

Kiss

La banda Mazarati, del sello Paisley Park, le pidió a Prince una canción para su debut. Entonces él les hizo rápidamente un demo acústico, de aproximadamente un minuto de duración, con sonido de blues. Mazarati le añadió un ritmo funk, luego Prince fue lo suficientemente inteligente como para recuperar la canción para su propio álbum Parade, de 1986.

Manic Monday

Tras ver uno de los primeros shows de las Bangles, Prince les envió una cinta con dos temas que quería que grabaran. Uno de ellos era Manic Monday, una brillante canción sobre el tedioso trabajo de 9 a 5 en una oficina, algo que Prince describió con maestría sin haberlo vivido en carne propia. Fue el primer éxito de la banda, y alcanzó el Número Dos en Estados Unidos.


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