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Las mejores películas del 2020

Puede que las salas de cine hayan permanecido cerradas durante la mayor parte del 2020, pero la magia de las imágenes en movimiento sigue viva, gracias a la tecnología del streaming y del “vídeo en demanda”
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Disney +; Warner

Si nos aproximamos al cine como industria, el 2020 fue quizás el peor año en su historia. Pero si tomamos al cine como arte, se podría pensar al año de la pandemia como un regreso a las películas sobre personas y no sobre efectos especiales, de historias íntimas y no sobre relatos grandilocuentes. Las películas del 2020 nos recuerdan al cine de la década del sesenta, cuando los grandes estudios de Hollywood entraron en crisis y surgió la Nueva Ola Francesa junto con el trabajo de grandes directores independientes como John Cassavetes, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Sidney Lumet, Stanley Kramer y Andrei Tarkovsky. Puede que las salas de cine hayan permanecido cerradas durante la mayor parte del 2020, pero la magia de las imágenes en movimiento sigue viva, gracias a la tecnología del streaming y del “vídeo en demanda”.    

Antes de iniciar el listado de las diez mejores películas del 2020, es necesario hacer una mención especial a la cintas Ma Rainey’s Black Bottom, The Midnight Sky, Hillbilly Elegy, Borat Subsequent Movie Film, Rebecca, Abre tus alas, Tesla, El olvido que seremos, Da 5 Bloodz, The Report, True Story Of The Kelly Gang, The Vast Of Night, Ema, The Assistant, The King Of Staten Island, Amor de gata, Wasp Network, Bad Education, Big Time Adolescence, Sergio, Tigertail, La vida escolar, Papicha, A Hidden Life y Juntos, todas excelentes.   

10. SWALLOW 

Heredera de las películas de corte psicoanalítico y surrealista de Alfred Hitchcock (Marnie), Luis Buñuel (Bella de día) y David Lynch (Mulholland Drive), esta perturbadora cinta de terror nos cuenta la historia de una mujer con la afición de tragar tierra, canicas, baterías, clips, tachuelas y demás objetos no aptos para el consumo, un trastorno psicológico conocido como pica y cuya causa es hasta el momento, desconocida. El director Carlo Mirabella-Davis, en su primer trabajo argumental, trata de explicar el comportamiento de Hunter, su protagonista, como un acto de rebeldía ante un ambiente en el que ya no es una mujer: ella se ha convertido en una esposa, una ama de casa, una nuera, una anfitriona de fiestas y reuniones. Solamente cuando Hunter se traga los objetos en su intimidad, ella puede ser ella. Del mismo modo en el que se podría explicar la razón por la que un cinéfilo devora grandes cantidades de palomitas de maíz para calmar la ansiedad generada por los contenidos proyectados en la pantalla, Hunter traga objetos para tener algo de control en una vida controlada por otros.   

9. EL HOMBRE INVISIBLE (THE INVISIBLE MAN)

En el 2017, los estudios Universal anunciaron una serie de películas ambientadas en un universo extendido y protagonizadas por los personajes clásicos del cine de terror (Drácula, Frankenstein, Dr. Jeckyll y Mr. Hyde), iniciando con La momia, una primera entrega protagonizada por Tom Cruise. Pero los pobres resultados en la taquilla llevaron al abandono del proyecto, dejando en el limbo a una película de El hombre invisible, cuyo protagonista iba a ser Johnny Depp. Años más tarde, el director y guionista australiano Leigh Whannell, se encarga de retomar las riendas de volver a llevar al personaje de H.G. Wells a la gran pantalla, como un relato con subtexto feminista, acerca de un hombre que se aprovecha de su condición para acabar con la autoestima de una mujer y hacerle la vida imposible con su obsesión tóxica y malsana. Cecilia, el personaje confeccionado por la gran Elizabeth Moss, presenta la misma complejidad y profundidad psicológica que Thomasin, la adolescente interpretada por Anya Taylor-Joy en La bruja; Annie, la atormentada madre encarnada por Toni Collette en Hereditary; y Dani, la joven traumatizada de Midsommar interpretada por Florence Pugh. La nueva versión de El hombre invisible nos ha permitido ver qué tienen en común las buenas películas de terror de los últimos diez años: unas mujeres protagonistas que se rehúsan a convertirse en estereotipos.    

8. TYLER RAKE (EXTRACTION)

En esta época de confinamiento forzado, una buena película de acción puede significar la catarsis que muchos estamos necesitando. El primer largometraje Sam Hargrave (el doble de acción de Chris Evans en las películas de Captain America), y escrita por Joe Russo (uno de los hermanos artífices de las entregas de Avengers y productor del estupendo policíaco 21 Bridges, protagonizado por el fallecido Chadwick Boseman), está basada en la novela gráfica Ciudad, publicada en el 2014 e incluye unas impresionantes coreografías de sangre y balas (la mayoría montadas en planos secuencia) que fascinarán a los fanáticos de la trilogía de John Wick. Su protagonista es Tyler Rake (Chris Hemsworth), un mercenario australiano con instintos suicidas (piensen en el policía Martin Riggs de Arma mortal apareado con el John Matrix de Comando, y se harán una idea). Su hijo ha muerto de una enfermedad terminal y su esposa lo ha abandonado. Por lo tanto, no tiene nada que perder. Su despliegue de testosterona es irresistible.

7. LA HISTORIA DE LOS BEASTIE BOYS (THE BEASTIE BOYS STORY)

En sus inicios, los neoyorquinos Mike D, Ad-Rock y MCA, hicieron parte de la escena Punk y Hardcore de finales de los años setenta (una especie de fusión entre Black Flag, The Misfits y Bad Brains, con el sentido del humor y la autoparodia de Devo), para luego convertirse en los años ochenta en los cimientos de color blanco de la naciente escena del Hip Hop, junto a sus colegas y compañeros afroamericanos Run-D.M.C., Kurtis Blow, LL Cool J y los Fat Boys, entre otros.  Spike Jonze, el director de las celebradas cintas Being John Malkovich, Adaptation y Her, el autor de esa obra maestra del videoclip titulada Sabotage y amigo personal del trío, es la persona encargada de realizar este atípico, divertido y relajado documental sobre la historia de la agrupación más “cool” que haya existido sobre el planeta Tierra: Los Beastie Boys. 

6. PIENSO EN EL FINAL (I’M THINKING OF ENDING THINGS)

Charlie Kaufman, uno de los mejores guionistas de todos los tiempos, es un escritor que bebe del psicoanálisis de Freud y Lacan, del conductismo de Watson y Skinner, del posestructuralismo de Derrida y Baudrillard, y de filósofos existencialistas como Heidegger y Sartre. Cuando su espíritu salvaje es domesticado por directores talentosos como Spike Jonze (Being John Malkovich, Adaptation) y Michel Gondry (Human Nature, Eternal Sunshine Of The Spotless Mind), su trabajo se complementa con una propuesta visual poderosa y cargada de significado y con un tratamiento narrativo que hace que sus guiones se conviertan en algo delirante, ágil, cínico y muy entretenido. Cuando Kaufman se convierte en su propio director (Synecdoche New York, Anomalisa), sus trabajos toman un camino oscuro, pesado, pausado, complejo, más teatral y menos cinematográfico. Eso no quiere decir que sean menos geniales. Su adaptación de la celebrada del escritor canadiense Iain Reid, es una cinta centrada en el drama existencial de una pareja, que al final nos dejará extenuados y afectados, como si la inestabilidad emocional de los personajes se nos contagiara como un virus; una tragicomedia acerca de una relación que se hace trizas; y una fábula desquiciada y surrealista, abierta a múltiples interpretaciones. 

5. TENET

El británico Christopher Nolan es un obseso por los juegos temporales (Memento, Inception, Interstellar, Dunkirk) y ama por partes iguales el cine de entretenimiento, así como el cine que busca retar la inteligencia del espectador (es un fanático declarado de Star Wars y de 2001: A Space Odyssey). Su nueva película puede pensarse como un elegante homenaje a las cintas británicas de espías de los años sesenta, protagonizadas por los agentes James Bond y Harry Palmer, así como de las cintas formalmente arriesgadas como Irréversible de Gaspar Nöe y Primer, el indescifrable clásico de la ciencia ficción de bajísimo presupuesto, dirigido por Shane Carruth. La fuerza de sus protagonistas, unas maravillosas secuencias de acción, una hermosa fotografía y una suntuosa banda sonora, hacen de esta cinta de espionaje y de ciencia ficción un exquisito platillo servido en bandeja de plata para todos los cinéfilos hambrientos de entretenimiento inteligente. 

4. MANK

David Fincher, el hijo del videoclip reconocido por su perfeccionismo y dominio de las atmósferas, nos entrega su película número 11, un trabajo filmado en un exquisito blanco y negro, con sonido monofónico y basado en el guion de Jack Fincher, el padre de David, quien falleciera en el 2003. Mank es la tercera cinta del director basada en hechos reales (las otras dos son las obras maestras Zodiac y The Social Network) y cuenta cómo Herman J. Mankiewicz escribió el guion de la película más importante de la historia del cine: El ciudadano Kane. Gary Oldman, el actor británico de una versatilidad sin igual (ha interpretado de manera magistral a Sid Vicious, Lee Harvey Oswald, Drácula y a Winston Churchill), encarna a Mankiewicz, esta vez sin ningún trabajo elaborado de maquillaje o de ayudas prostéticas, a pedido de su director). El trabajo de Oldman aquí, se suma a una de las mejores de una carrera llena de grandes interpretaciones. Así de buena es. Con una estructura narrativa similar a la del clásico de Welles, David Fincher arma una cinta que le presta una especial atención a los magníficos diálogos escritos por su padre, asumiendo una libertad formal para experimentar, propia de un director europeo de finales de los años sesenta. Por esta razón, Mank está tristemente destinada a ser un trabajo abrumador y tedioso para todos aquellos que buscan un entretenimiento “rápido y furioso”.

3. SOUL

Pete Docter, el artífice de las obras maestras de los estudios Pixar Monsters, Inc., Up e Inside Out, nos ofrece una historia con mucha alma, protagonizada por un músico de Jazz atrapado en su trabajo como profesor de unos niños a los que la música no les entusiasma como a él. La oportunidad de cumplir sus sueños se ve interrumpida con una muerte repentina y sin sentido. Joe se resiste a aceptar su muerte y eso lo lleva a enfrentarse a unos seres de aspecto cubista que le asignarán el trabajo de ser el mentor de 22, un alma rebelde que se niega a nacer. Soul es una cinta de una gran belleza y con una filosofía de la vida tan simple como profunda. No es algo gratuito que el líder de la legendaria agrupación Nine Inch Nails, sea el autor de su banda sonora.   

2. EL DIABLO A TODAS HORAS (THE DEVIL ALL THE TIME)

La novela del escritor estadounidense Donald Ray Pollock es llevada al cine y narrada por su autor, en una poderosa adaptación dirigida por Antonio Campos y que cuenta con un elenco que da lo mejor de sí, para encarnar a unos personajes que están destinados a cruzarse en algún momento de sus vidas. El diablo a todas horas captura de una forma profunda y perturbadora, el fanatismo religioso característico del cinturón bíblico de los Estados Unidos y la hipocresía y la maldad producto de su cultura. Es un violento retrato de esa Norteamérica fea, donde unos personajes, herederos de los vaqueros de antaño, han perdido su código de honor y se embarcan en un viaje sin dirección fija y llevando a cuestas su rabia y dolor, producto de sus experiencias de vida y donde el destino es, inevitablemente, la muerte.

1. EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO (THE TRIAL OF THE CHICAGO SEVEN)

En agosto de 1968, la convención nacional demócrata llevada a cabo en la ciudad de Chicago, fue el escenario de una manifestación pacífica en contra de la intervención de los Estados Unidos en la guerra de Vietnam. Sin embargo, las cosas se salieron de control cuando se negaron los permisos para llevar a cabo la protesta y luego la policía usó gas lacrimógeno y golpeó a algunos de los protestantes. La respuesta a la policía fue de piedras y bombas molotov, y la manifestación pacífica terminó en un enfrentamiento violento que generó un gran número de heridos de los casi quince mil participantes. Aaron Sorkin (junto a Charlie Kaufman, uno de los mejores guionistas del cine y la televisión), asume por segunda vez el trabajo de dirección en una cinta con un sentido del humor agudo y provocativo, diálogos rápidos, siempre cargados de subtexto, experticia a la hora de dirigir a sus actores y un manejo preciso de una estructura narrativa compleja. Pero lo más importante, esta es una cinta que busca abrir los ojos ante la realidad actual, recordando los errores del pasado para que no se repitan en el presente y es una película que incita a la discusión y al debate. Debemos recordar las lecciones de los años sesenta.