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Las mujeres afroamericanas que cambiaron al rock and roll

Estas artistas dejaron una marca profunda en la historia de la música inspirando a miles de personas y sentando las bases para la música moderna
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Charlie Gillett/Redferns; Anthony Barboza/Getty Images; Pictorial Parade/Getty Images

Sister Rosetta Tharpe

Rosetta Tharpe sentó las bases para la música popular moderna con una forma de tocar la guitarra y voces eufóricas en canciones de rock y gospel como Didn’t It Rain, Strange Things Happening Every Day y Up Above My Head. Nacida en Arkansas en 1915, Tharpe influyó directamente en todos, desde Chuck Berry y Elvis hasta Dylan y los Beatles hasta Brittany Howard y Yola, quienes interpretarán a Tharpe en la próxima película biográfica de Elvis de Baz Luhrmann. En 1945, Tharpe invitó a un pequeño Little Richard al escenario para que actuara con ella; Richard describiría más tarde el momento como “lo mejor que me había pasado”.

Charles Peterson/Hulton Archive/Getty Images

Odetta

Mucho antes de Bob Dylan, Phil Ochs y Peter, Paul y Mary, estaba Odetta. La cantante nacida en Alabama comenzó a fusionar música folclórica con blues y jazz en su LP debut de 1954, The Tin Angel, y nunca se detuvo hasta su muerte en 2008. En los años sesenta, su música impulsó el movimiento por los derechos civiles y cantó junto a Martin Luther. King Jr. durante su marzo de 1963 en Washington. “Lo primero que me entusiasmó del canto popular fue Odetta”, dijo Bob Dylan en 1978. “En ese mismo momento, salí y cambié mi guitarra eléctrica”

Pictorial Parade/Getty Images

Martha and the Vandellas 

Sencillos inmortales como Heat Wave, Nowhere to Run y Dancing in the Street,  le pedían a un Estados Unidos dividido que se uniera en canciones y bailes, y nos recuerdan que la producción de Martha y los Vandella fue igual de potente y indeleble, como el de sus contemporáneos más conocidos del Motown como las Supremes y las Four Tops. “Cantando en la iglesia cuando era una niña, [la líder Martha Reeves] realmente aprendió a hacerlo”, dijo Fred Schneider, líder de los B-52. “Tenía la voz más poderosa que jamás había escuchado”.

Michael Ochs Archives/Getty Images

Alice Coltrane

El mundo conoció a Alice Coltrane por primera vez a través de su trabajo en la última banda de su esposo John. Pero en los 40 años posteriores a la muerte de John en 1967, se convirtió en un ícono por derecho propio. Desde finales de los 60 hasta finales de los 70, una serie de reveladores álbumes en solitario con su trabajo de arpa y piano, incluido Journey in Satchidananda, hizo que se ganara un lugar en la lista de los 500 mejores álbumes de ROLLING STONE describió una estética sorprendentemente original, igualmente informada. con jazz modal, R&B y música clásica india. Incluso después de que fundó un ashram y se retiró de la vida secular, su influencia continuó extendiéndose, y todos, desde Radiohead hasta el dúo de arte y metal Sunn O))), la citaron como una piedra angular. “Para mí, ella es como Stravinsky y Leonard Bernstein”, le dijo una vez Carlos Santana, antiguo colaborador de Alice, a Long Island Pulse sobre ella. “Es una gran compositora y música estadounidense. Algunas personas solo la conocen como la esposa de John Coltrane, yo la conozco como la maestra suprema del músico original “.

Michael Ochs Archives/Getty Images

The Blossoms

The Blossoms no sólo es anterior a la era de los grupos de chicas de principios de los 60, sino que casi es anterior al rock & roll en sí, desde que comenzaron a lanzar música en 1954 como The Dreamers. Ellas encontraron un éxito tremendo cantando coros para todos, desde Sam Cooke hasta Frank Sinatra, y continuaron mucho después de que Phil Spector convirtiera a la cantante de Blossoms, Darlene Love, en una estrella solista. En años posteriores, continuaron trabajando, respaldando a personas como Tom Jones e incluso a Elvis Presley en su legendario especial de regreso de 1968. Solo los verdaderos obsesivos de la música conocían su trabajo hasta que el documental de 2013, 20 Feet From Stardom finalmente contó su increíble historia.

Michael Ochs Archives/Getty Images

The Ronettes

El sencillo de 1963 de The Ronettes, Be My Baby, es uno de los mayores logros en la historia de la música pop, y es imposible imaginarlo sin la interpretación vocal de la cantante Ronnie Spector. Su estilo característico impulsó todas sus mejores canciones, incluidas Baby, I Love You y Walking in the Rain, y llevó al trío, que también incluía a la hermana mayor de Spector, Estelle Bennett, y a su prima Nedra Talley, a los mismos escenarios que los Beatles y los Stones. “Podían cantar a través de una pared de sonido”, dijo Keith Richards cuando incorporó a las Ronettes al Salón de la Fama del Rock and Roll, recordando una noche de 1964 cuando las escuchó prepararse para un concierto en Londres. “No necesitaban nada. Tocaron mi corazón en ese mismo momento y todavía lo tocan “.

Michael Ochs Archives/Getty Images

The Supremes

Durante un período a mediados de los 60, ninguna agrupación salvo los Beatles o los Beach Boys consiguieron sencillos de éxito más brillantes en la radio que las Supremes. Las canciones inmortales de Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard (a las que luego se unió Cindy Birdsong), como I Hear a Symphony, Baby Love, My World Is Empty Without You y otras, definieron a la niña. estética grupal de todos los tiempos. “En ese momento, la gente pensaba que esas canciones eran desechables”, dijo Antonio L.A. Reid. “Y ahora nos damos cuenta que son verdaderas obras maestras del pop”.

Michael Ochs Archives/Getty Images

LaVern Baker

Después de haber crecido en Chicago en la década de 1930, LaVern Baker llegó a ganar 20 éxitos Top 40 en las listas de R&B, comenzando con Tweedle Dee de 1955. Baker combinó el rock & roll prematuro, el pop, el blues y el R&B en sus clásicos de mediados a finales de los años cincuenta como I Cried a Tear y Jim Dandy, el último de los cuales se convirtió en su mayor éxito y luego fue nombrado como uno de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de ROLLING STONE . En 1991, Baker se convirtió en la segunda mujer en ingresar al Salón de la Fama del Rock and Roll. “Podemos escuchar el alma, el espíritu y el sentido del humor en su arte”, dijo Chaka Khan en su discurso de introducción.

Charlie Gillett/Redferns

Merry Clayton

GAB Archive

Mejor conocida por cantar el estribillo inmortal de Gimme Shelter de los Rolling Stones, Clayton se convirtió en una de las vocalistas más destacadas del rock de mitades y finales del siglo XX, ofreciendo una serie de canciones infravaloradas en los 70 (mira su versión de 1972 de Oh No Not My Baby y su impresionante interpretación de Southern Man de Neil Young) y haciendo los coros de artistas que iban desde Lynyrd Skynyrd (Sweet Home Alabama) hasta Carole King (Tapestry) y Allen Toussaint. “Siempre he querido bendecir a la gente con mi voz porque es mi regalo de Dios”, dijo Clayton en 2015, luego de haber sido víctima de un accidente automovilístico que le ocasionó la pérdida de sus piernas. “Sigo siendo hermosa y, ¿adivina qué? Aún conservo mi voz”.

The Shirelles

Gilles Petard

La escena de los girl-groups pudo haber evolucionado de otra manera si no hubiese sido por la influencia de The Shirelles. Formadas en 1957 en una escuela en Nueva Jersey, Estados Unidos, compusieron su canción debut I Met Him on a Sunday y más adelante trabajaron con artistas de la talla de Carole King, Gerry Goffin, Luther Dixon y Shirley Owens en las obras maestras de los 60, Will You Still Love Me Tomorrow y Tonight’s the Night. Si bien estas canciones trataban de temas de adultos, las interpretaron con un gran sentido de inocencia y asombro. Incluso los Beatles eran grandes fanáticos e hicieron covers de Baby It’s You y Boys.

Labelle

Gems

Este trío conformado por Patti Labelle, Sarah Dash y Nona Hendryx, fue más reconocido por su gran éxito Lady Marmalade. Pero la agrupación, que se inició en la tradición de los girl-groups como The Ordettes (después The Bluebelles) en los 60, redefinió cómo podía sonar y sobre qué podía cantar un grupo en una serie de álbumes espectaculares incluyendo Moonshadow (1972) y el clásico Nightbirds (1974). “La idea era que los artistas cantaran lo que vivían y compusieran la canción sobre ello”, dijo Hendryx en 2008. “Realmente lo tratamos como una banda, no como un girl-group. Éramos tres mentes pero a la vez una sola”.

Ma Rainey

JP Jazz Archive

Probablemente Gertrude ‘Ma’ Rainey no inventó el blues, como aseguraba en ocasiones, pero sus expresiones incalculables de alegría, fuerza y humor frente al dolor y la opresión, ayudaron a definir al género emergente en los primeros años del siglo XX. Su espíritu desafiante e independiente y su abierta bisexualidad, hizo de Rainey un símbolo feminista y una representante de la naciente comunidad LGBTQ+. A lo largo de cerca de 100 canciones realizadas durante su vida, iluminó el camino de generaciones de músicos listos y dispuestos a descubrir sus almas. “Ella poseía a las personas”, escribió el compositor Thomas A. Dorsey en su autobiografía. “Se sacudían, se movían, gemían y gruñían mientras sentían el blues con ella”.

The Crystals

Gems

The Crystals suelen ser ignoradas cuando los críticos y fanáticos enumeran sus girl-groups preferidos de todos los tiempos, pero su serie de éxitos desde 1961 a 1964 habla por sí sola: There’s No Other (Like My Baby), Uptown, He’s Sure the Boy I Love, He’s a Rebel, Da Doo Ron Ron y Then He Kissed Me. La formación cambió demasiado en poco tiempo, y aunque Darlene Love llegó para He’s a Rebel, la dulce voz de Doloroes ‘LaLa’ Brooks fue la principal en la mayoría de sus clásicos, incluyendo el sublime Then He Kissed Me, grabado cuando ella tenía tan solo 16 años. Si The Ronettes y Darlene Love están en el Salón de la Fama, The Crystals de seguro también merecen un lugar allí.

Bessie Smith

Bettmann Archive

Conocida como la emperatriz del blues, Bessie Smith jugó un papel singular en popularizar el género con éxitos tan grandes como Downhearted Blues (1923), The St. Louis Blues (1925) y The Careless Blues. “Ella me mostró el aire y me enseñó cómo llenarlo”, dijo Janis Joplin en una ocasión sobre la cantante que, luego de haber nacido en los 80 al sur de Estados Unidos, terminó por forjar no solo el blues, sino el jazz y el rock and roll. En 1998, Angela Davis escribió que intérpretes como Smith y Ma Rainey “celebraron y valorizaron la vida de la clase afro y obrera, mientras que al mismo tiempo enfrentaban suposiciones patriarcales sobre el lugar de las mujeres en la cultura dominante y dentro de las comunidades afroamericanas”.

Mahalia Jackson

Richard C. Miller

La artista góspel más importante del siglo XX, que musicalizó el Movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos (su versión de Precious Lord, Take My Hand de Thomas Dorsey fue la canción favorita de todos los tiempos de Martin Luther King Jr.) e inspiró a leyendas como Aretha Franklin y Mavis Staples. Nacida en Nueva Orleans y eventualmente asentada en Chicago, Jackson estuvo al frente de la modernización y popularización del góspel durante los años 30, 40 y 50. Cada vez que MLK le pedía que cantara en un evento, ella estaba dispuesta a hacerlo. “Ella puso en juego su carrera y su fe, y ambas prevalecieron”, recordó el pastor Jesse Jackson.

Poly Styrene

Gus Stewart

Marianne Joan Elliott-Said invadió la escena punk en los 70 que era predominantemente blanca, al rebautizarse como Poly Styrene, la ahora icónica líder de la banda londinense X-Ray Spex. Hija de una madre escocesa-irlandesa y un padre somalí, Styrene fusionó el saxofón, el reggae y el rock con Spex para crear una versión de punk que fue una digna sucesora de los Sex Pistols, e incluso los superaba. Victoria Ruíz, líder de Downtown Boys, sigue sus pasos hoy en día, destacando que “si bien las descripciones comunes de X-Ray Spex en los libros de historia pueden incluir los términos “mujer” o “mujer afro”, la influencia de Styrene es evidente en el punk y el rock como un todo, desde el movimiento Riot Grrrl de los 90 hasta Girl Talk”.

Betty Davis

Anthony Barboza

Conocida por muchos como la madrina del funk, Betty Davis sigue siendo una de las más grandes provocadoras de la música. Se casó con Miles Davis durante sus días de modelaje, presentándole a Jimi Hendrix, Sly Stone y la contracultura psicodélica de los 60 que inspiró su álbum insignia de 1960, Bitches Brew. En sus propios álbumes de los 70 como They Say I’m Different y Nasty Gal, Davis se mostraba ruidosa y desenfrenada, y su estilo tentador le hizo víctima de sabotajes y censuras. Dejó de publicar música al final de la década, y optó por una vida más tranquila, pero su impacto en hacer música salvaje todavía sigue presente. “Nunca voy a hacer concesiones en tanto sepa que chicas como Donna Summer y Patti Labelle están trabajando en lo que yo hice hace tres años”, dijo en una entrevista en 1977. “Cada vez que las veo ganar discos de oro y más dinero gracias a las bases que senté, sé que tengo validez”.